El pistacho, alfóncigo, alhóstigo, fístico o picacho (Pistacia vera) es un arbolito de Oriente próximo, propio de regiones montañosas y secas, y se viene cultivando por su fruto desde hace milenios: la Reina de Saba consideraba que este alimento debía reservarse a la realeza, y Nabucodonosor se hinchaba a pistachos (al precio que está el kilo ahora también es privilegio de reyes). El Almirante Emperador Ackbar comía sus pollos alimentados con estas semillas, un lujo algo extravagante pero no carente de sentido, como veremos. El fruto se puso de moda a principios del siglo XX cuando fue introducido en California*; es una cápsula dura de color beige claro que cuando madura se abre como un mejillón. Estos frutos se tuestan y salan para su consumo. La semilla interior está cubierta con una membrana marrón-violácea y dentro son marrones, algo parecido al maní o cacahuete. Entonces, ¿de dónde el verde fosforito?

No es común ver pistachos crudos, pero la semilla interior cruda sí tiene un tono verde que corresponde con el que buscamos… la gran cantidad de luteína y clorofila del fruto le da ese tono verdeamarillo. La luteína se usa para alimentar a los pollos, ya que amarillea su piel y le da un tono «de campo» más apetecible. ¡Ya vemos que Ackbar no estaba tan equivocado! Lo cierto es que antiguamente la cáscara se teñía de verde o rojo para disimular las imperfecciones (manchas) de su superficie, y eso también puede haber llevado a la identificación con el verde. Y obviamente, muchos productos en base a pistacho que se comercializan de color verde brillante están coloreados artificialmente.

* Los mayores productores mundiales de pistachos son Irán, USA y Turquía, aunque los de Siria tienen una fama especial.

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Bueno, no es tan antigua en realidad. El Toddy original fue creado en 1930 por un empresario de Puerto Rico y se popularizó en toda América. Ahora es propiedad de PepsiCo y es otra leche chocolatada más, pero en su momento tenía un sabor especialmente bueno (como pasa con los refrescos de cola, algunos son mejores que otros). Su mascota era una especie de niñito vestido de cocinero, que no tenía demasiado protagonismo:Esta figurita variaba poco y tenía como características el flequillo asomando bajo la gorra y la túnica/delantal de cocinero que también fue utilizada por otras marcas, como esta de Chocolate Águila.

Incluso había figuritas de plástico, con ese inquietante aspecto de los juguetes de los años cincuenta, en la cual el chico-Toddy parece más bien un marinero. Los labios encarnados eran comunes en los juguetes de época, que se pintaban con escasos colores. La siniestra mirada ladeada también era común y se ve que resultaba simpática.

Estaba hace unos días en un supermercado cuando redescubrí a Toddy, pero fue un reencuentro chocante.

Primero, Toddy aparecía en un envase de polos de agua sabor frutas. Luego, se había convertido en una señora! Los labios pintados, las pestañas marcadas, el pendiente de pedrería… y su espantosa progenie debajo, híbridos de algún extraño intercambio de genes con vegetales varios pero de rasgos inconfundibles. De hecho, hasta hacer un rato no descubrí que en la gorra pone «Mr. Toddy«. Ya no es un chico, es un señor mayor con las hormonas alteradas. ¿Qué te ha pasado, Toddy? ¿Qué te han hecho los ingenieros de la PepsiCo en estos últimos cincuenta años?

Otro día hablaremos de la repulsiva leche y sus perjuicios para la salud, y la diferencia entre cacao y cocoa que es importante.

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La idea es suministrarla a zonas del tercer mundo en las que el agua es un bien escaso y paliar así uno de los problemas más graves de estas poblaciones: la falta de agua potable (y las epidemias causadas por el uso de aguas insalubres). Un proyecto que demuestra que también hay diseñadores que piensan más allá del teléfono de turno.

A mí de todas formas no dejan de recordarme los grandes evaporadores que tenía el tío Lars en Tattooine…

Proyecto Warkawater 2 en Architecture and Vision.

Visto en ALT1040.

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Según cuenta la historia, el señor Enric Bernat tuvo la ocurrencia de poner un caramelo al final de un palito después de ver a los críos ensuciarse las manos continuamente con las pegajosas golosinas -posiblemente bastones de caramelo- a mediados de los ’50. En 1958 registró la marca y empezó a venderlos por una peseta, siendo un éxito rotundo. En los ’70 y las siguientes dos décadas, el producto se insertó en todos los mercados mundiales y actualmente el fabricante factura 500 millones de euros anuales. La compañía ya no es española; pertenece a un grupo italiano dedicado a las golosinas. Hasta aquí todo genial, bien por el señor Bernat. Pero, ¿qué fue lo que realmente inventó o patentó? 

En marzo de 1963 Ber­nat intentó registrar por primera vez un ¨Procedimiento para la envoltura uniforme de carame­los con mango¨ pero le fue denegada. ¡Existían patentes de caramelo-con-palo en España desde 1919! Lo que realmente pudo patentar fueron una serie de accesorios -expositores, adornos- que convertían al caramelo en la plataforma de un montón de juguetes; seguramente la clave de su éxito posterior.

En USA mucha gente se atribuye la invención del caramelo-en-un-palo. La primera máquina específicamente diseñada para fabricar lollypops posiblemente pertenece a la Racine Confectioners Machinery Co. de Wisconsin, que en 1906 fabricaba cuarenta piruletas por minuto. En 1916, la ciudad de San Francisco premió a Samuel Born por su Born Sucker Machine, que calentaba la mezcla de caramelo y jarabe, le daba forma e insertaba el palo. Si hablamos específicamente de caramelos de forma redonda, los Tootsie Pops son popularísimos en USA desde 1930.

Claro que esto se refiere a la fabricación mecánica del lollypop, que tradicionalmente se ofrecía en las ferias ambulantes desde antes de la Guerra Civil (americana, no española). El propio término lollypop significa en inglés norteño tongue slap, es decir, lametón. Posiblemente las primeras piruletas se fabricarían en Inglaterra al poco tiempo de introducirse el azúcar refinada en la Edad Media*, aunque no serían populares hasta que el descubrimiento de América convirtió el azúcar en un producto de consumo accesible a las masas.

http://en.wikipedia.org/wiki/Lollipop

http://en.wikipedia.org/wiki/Chupa_Chups

Detalles de las patentes concedidas a Bernat en Protectia

* Los Cruzados traerían vía Tierra Santa la «sal dulce» además del jabón de Marsella y otras maravillas. Venecia se convirtió en el principal intermediario de este producto para Europa entre el siglo XII y el XV.

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Así que me puse a rediseñarlo. Ha sido un largo camino…

Resulta que hace muchisíiiisimos años mis padres me regalaron un anillo de sello. Era una pieza de oro con las iniciales LDC grabadas en relieve; a mí me gustaba mucho, se parecía al anillo de Linterna Verde -aunque al ser de oro, obviamente, era invulnerable al anillo de poder!- y lo usaba constantemente. Ese anillo desapareció durante una de esas crisis económicas que había antes, bastante más bestias que la actual, pero la imagen de las tres letras una encima de la otra perdura.

Cuando estaba estudiando puse mi primer anuncio para empezar a trabajar, y había que hacer un símbolo o algo, así que pinté esto entre otras posibilidades. Elecé era mi seudónimo artístico o algo así; en aquel momento me pareció cool:

La tipografía Art Déco y la geometría simple de curvas limpias me gustaba, tal vez de forma un tanto obsesiva. Llegó a salir en prensa un módulo de 1/8 (obtenido en trueque por unos trabajillos) pero eso fue todo. También hubo tarjetas de visita a una tinta, extremadamente feas debido a un diseño basado en dos tipografías serif que fueron reemplazadas sin piedad en la imprenta por la Times New Roman. Puah.

Me prometí que la siguiente tarjeta iba a ser mejor. Tiempo después rehice el «logotipo» jugando nuevamente con la L y la C, la D estaba oculta en la contraforma:

Un poco Bauhaus (véase el logo de la Bauhaus aquí), incidía en dos cosas muy propias mías: la nariz y la sonrisa torcida. No tenía nada que ver con el diseño, pero qué diablos, me hacía gracia. El turquesa, o más bien, el color aguamar siempre me ha gustado mucho y aquí lo oscurecí bastante. Lamentablemente, de forma casi simultánea una oscura compañía coreana de electrodomésticos, Goldstar, cambió de nombre y desarrolló un logo muy parecido: LG. El estigma aún pervive.

Obviamente, no podría hacer tarjetas con esto ya que la trama degradada requería fotolitos y era carísimo para mis recursos. Hasta que, claro, acabé trabajando en una imprenta.

Estas fueron las tarjetas:

Muy útiles durante el período primitivo, pero en estas fechas surgió y fue gestándose lentamente una cosa extraña: Internet. Creo que nadie imaginaba realmente hasta qué punto aquello iba a cambiarlo todo, ni en qué aspectos exactamente.

Pronto las tarjetas de visita quedarían obsoletas, y las limitaciones cromáticas en la identidad corporativa se basarían en el gusto y la elección personal y no en la necesidad. Los efectos especiales lo llenaron todo y elecé no iba a ser menos.

El logo/icono, pintado enterito con Illustrator durante mis prácticas en un distribuidor Apple, hacía uso de los gradientes con transparencia que en aquella época eran novedad. Uau! La L tomaría un aspecto curvo y la C se invertía para fusionarse con la D en una sonrisa de forma-contraforma. Y el color es azulado por fuera y verdoso por dentro.

Lamentablemente otra vez una compañía sueca que fabricaba teléfonos montó una joint-venture con los japoneses, y así Sony-Ericsson sacó su logotipo muy parecido al mío. Todo el mundo decía: «oye, tu iconito es copiado del de Sony-Ericsson» y tuve que modificarlo; este año 2012, cumplida su misión en la Tierra que era molestarme, la compañía fue desmantelada. R.I.P.

Y así volvemos al principio:

Aquí sí tengo que reconocerlo, el logo adaptado -la forma es la misma, cambian los efectos- predaba la estética naciente de Apple y su OS X: Aqua. Y si algún diseñador no lo ha hecho en los últimos diez años, que tire la primera piedra. ¡Anda que no había tutoriales para hacer las pastillitas de vidrio! Pero ya hace once años del sistema Diez. Toca cambiar. Volver a la simplicidad del inicio, a las formas puras, los colores planos y la espiral logarítmica. Así que

Aquí está.

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Véase esta patente americana de Solomon Schulman, febrero 1934:
http://www.google.com/patents?id=7mZLAAAAEBAJ&printsec=drawing&zoom=4#v=onepage&q&f=false

C.C.Bennett, 1937 (corresponde a la imagen):

http://www.google.com/patents?id=bvFcAAAAEBAJ&pg=PA5&dq=US+2171387&source=gbs_selected_pages&cad=2#v=onepage&q&f=false

Cita de Wikipedia:

Manuel Jalón Corominas, tras trabajar 12 años en EE.UU. en el mantenimiento de aviones a reacción, al regresar a España quiso implantar la tecnología que había visto e inventó la fregona. Fabricó las primeras unidades inspiradas en el modelo americano (con cubo metálico y rodillos) que posteriormente modificó con torcido de algodón. Posteriormente, en 1964, desarrolló un modelo que fue registrado como «patente de invención con novedad internacional».

Ya está bien.

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El tejido, delicadamente bordado, es producto del trabajo de artesanos dedicados y de más de un millón de arañas doradas de Madagascar (Nephila madagascariensis), que proveyeron los hilos para tejer esta seda. Del tamaño de una mano y casi ciegas, estas arañas dependen del tacto y de una tela supersensible para llevarse a la boca sus moscas de cada día. La seda de araña lleva tiempo siendo estudiada por los científicos por su resistencia y flexibilidad, pero esta es la pieza más elaborada hecha por el hombre con este material.

Web del Victoria & Albert Museum.
Visto en Short Sharp Science.

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Con una estética «años ’60» y combinando animación tradicional con gráficos digitales, este comercial dirigido por  Kevin Dart y Stéphane Coëdel está muy logrado. Mi problema es que, a múltiples niveles, esto provoca la Suprema Sensación de Fracaso que he descrito hace un par de días en otro post. Es como ver una peli de James Bond clásica, con esos ambientes mediterráneos, yates, chicas, bon-vivants… en palabras del príncipe Alfonso de Jolenjole, «He vivido en castillos, en palacios venecianos y en los mejores hoteles del mundo. He visto amanecer en playas de los cinco continentes. Me he mirado en los ojos de las mujeres más bellas del mundo«. No es envidia, sino el negro sentimiento de que no estás aprovechando tu existencia a tope, que estás traicionando al Guionista.

Esta sensación dura poco; lo justo para darse cuenta que todo eso -Mr. Persol, Mr. Bond, Mr. Hohenlohe- es mentira, que tu vida está bien, que los hay peores -Mr. Proper por ejemplo, Mr. Ambrosio de Ferrero Rocher, o el mayordomo de Tenn que no tiene ni nombre- pero siempre queda el poso amargo. ¿No podrían los creativos equilibrar un poco las cosas? ¿O sólo venden Persol en Mónaco?

A Year of Sun with Mr. Persol – HD de Yuki 7 en Vimeo.

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A Lucas le salieron bien las cuentas y siguió rodando películas en Elstree: toda la saga de Star Wars y las películas de Indiana Jones. Además, quedaba más cerca de Túnez donde también rodaba las escenas de exteriores desérticas más barato que en Arizona. La cazadora de Jones, el sombrero, la camisa, son todos productos de firmas británicas: incluso la maricona mochila que lleva es procedente de un surplus del ejército. Lo mismo puede decirse de los diseños de vestuario de Star Wars, desde los trabajos de John Mollo a Trisha Biggar. Concretamente Mollo, que había diseñado armaduras, fue quien recogió los dibujos de Ralph McQuarrie y les dio forma tridimensional en resina plástica. Estas armaduras fueron producidas en serie para la película por una casa también inglesa, Shepperton Design Studios, que conservó los moldes en un momento en que lo que menos interesaba a Lucas eran los derechos de autor (aunque ya pensaba en los royalties de la venta de juguetes, pero esa es otra historia). Se cuenta la anécdota de que Lucas veía el andar de las tropas de asalto, que «se arrastraban como cangrejos», y le parecía que los extras actuaban de forma poco profesional: la verdad es que por las prisas del rodaje las piezas pélvicas de plástico no tenían lijados los cantos y al andar pellizcaban, ejem, las partes.

Tras el éxito de las películas, algunas de estas empresas se dedicaron a vender réplicas de props  a los fans que poco a poco iban apareciendo por el mundo. Terminada Return of the Jedi y concluida la trilogía, sin ninguna noticia de continuidad, la leyenda empezaba a dar más beneficios secundarios que recaudaciones por el pase de las películas. Así en 2004, SDS empezó a vender réplicas de los uniformes del stormtrooper original de 1977. Ese mismo año recibieron una demanda de los abogados de Lucasfilm por 20 millones de dólares. Visto el tema, Andrew Ainsworth cortó la producción y venta de las réplicas; carecía de medios financieros para enfrentarse a semejante Goliath corporativo.

Lucasfilm prosiguió con las acciones legales, intentando elevar la demanda de las cortes americanas a la Corte Suprema británica. Hubo abogados que se ofrecieron a ayudar a Ainsworth, y el litigio siguió adelante. Después de estos años, el veredicto ha sido que los elementos de vestuario de una película se consideran como diseño industrial y no obra de arte. Estos diseños tienen una protección del copyright de 15 años, por lo cual ya son de dominio público (al menos en el Reino Unido).

Por supuesto el veredicto no ha sido para anda del agrado de la compañía californiana, que considera el veredicto como una «anomalía legal«.

La noticia en BBC News.

La web de Shepperton Design Studios, con tienda online y todo (ahora totalmente legal). Uniforme de tropa de asalto imperial, casco incluido:  £750.00 . Jorobar a George Lucas impunemente: no tiene precio.

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Pero bueno, ese no es el tema. Lo que me resultó extraño a la vista fue la disposición de las orejas por parte del dibujante, un tal Graham Place del cual no pude encontrar referencias.

¿No están muy bajas? Pensaba que las orejas estaban más o menos a la altura de los ojos, en la mitad de la cabeza. Veamos otro dibujo (esta vez es el hermano pequeño de Judy, las guías rojas son mías):

El eje de los oídos pasa a la altura de la base de la nariz. En principio es correcto, pero se me sigue haciendo raro. Tal vez sea por el dibujo poco definido…

Aquí va otro de un anuncio. En este caso el eje está entre los ojos y la nariz. Veamos otro más realista:

Puff. En este caso está a media altura del puente nasal. Parece que no se aclaran, y la duda cada vez me corroe más: ¿a qué altura tenemos la nariz, y por qué estos dibujos en particular me parecen inquietantes? Son esas preguntas locas que no te dejan de dar vueltas a la cabeza, como lo de la barba y las sábanas. Así que busqué algo de documentación. Para empezar, los esquemas del maestro Leonardo:

Da Vinci divide la cara en tres secciones iguales: de la coronilla a las cejas, de las cejas a la base de la nariz, y de ahí a la mandíbula. Vemos que la línea del ojo y el puente de la nariz va a parar a 1/3 de la oreja, lo cual es perfecto para las gafas. Pero, como algunos argumentan, los maestros clásicos no eran grandes expertos en anatomía y además tendían a buscar proporciones geométricas absolutas en los cuerpos que no son precisamente un canon inviolable. Cierto que si seccionamos algo en suficientes trozos acaba saliendo la proporción áurea, pero en estos tiempos no vendrá mal contrastarlo con algún esquema más moderno.

De hecho la localización de los oídos está a la altura de media nariz, ya que los huesecillos del oído interno -derivados muy evolucionados de un arco branquial- se alojan en un hueco de la base del cráneo detrás de la mandíbula –que deriva de otro-. Resulta que ese mismo punto es el eje articular del cráneo con la columna vertebral. ¡Ya sabemos que no todo el mundo anda recto! A veces una ligera inclinación hace parecer nuestras entradas más prominentes, la papada más turgente, o en este caso los ojos más arriba o abajo (personalmente tiendo a inclinar la cabeza hacia abajo, lo cual prácticamente alinea los ojos con las orejas). Esto es lo que hace que los dibujantes, a pesar de saber dónde cae cada cosa, tengan sus propias interpretaciones. Eso y la costumbre a la hora de encajar la cabeza.

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